*** AFINAL QUEM FORAM OS GRANDES MESTRES QUE REVOLUCIONARAM A ARTE?!

FAZENDO UM ESTUDO SOBRE ESSE TEMA NA VERDADE NÃO TEM UMA LISTA ESPECÍFICA.PORÉM TENTAREI AQUI NO BLOG EXEMPLIFICAR ALGUNS QUE TIVERAM GRANDES CONTRIBUIÇÕES PARA A ARTE E SUAS VERTENTES.VEM COMIGO;

"Quem pouco pensa, muito erra"

Uma das frases do mestre dos mestres

Leonardo da Vinci.

Gioconda (Mona Lisa): principal obra de Da Vinci

Foi um dos mais importantes pintores do Renascimento Cultural. É considerado um gênio, pois se mostrou um excelente anatomista, engenheiro, matemático músico, naturalista, arquiteto, inventor e escultor. Seus trabalhos e projetos científicos quase sempre ficaram escondidos em livros de anotações (muitos escritos em códigos), e foi como artista que conseguiu o reconhecimento e o prestígio das pessoas de sua época.

Leonardo da Vinci fez estágio no estúdio de Verrochio (importante artista da época), na cidade de Florença. Viveu uma época em Milão (de 1508 a 1513), onde trabalhou para a corte de Ludovico Sforza e governantes franceses da cidade. Até 1506, realizou trabalhos principalmente em Florença e tudo indica que nesta época tenha pintado sua obra mais famosa: a bela e enigmática Gioconda. Trabalhou para o rei Francisco I da França, onde realizou belos trabalhos. Faleceu na França no ano de 1519.

Ele é considerado o introdutor da

perspectiva na pintura da época

- Afrescos da Capela Degli Strovegni

Giotto é considerado por estudiosos de história da arte como o grande inovador, pois introduziu a perspectiva na pintura. Foi também um artista que fez a ligação entre a arte medieval e a renascentista, logo, também é considerado um dos precursores do Renascimento.

Começou a pintar com apenas 11 anos de idade.
Em 1280, ingressou numa escola de afrescos na cidade de Roma.
Entre 1303 e 1310, realizou um dos mais importantes trabalhos, a pintura da Capela degli Strovegni na cidade de Pádua.

Destacou como temas de suas obras a figuras dos santos da Igreja Católica. Porém, estes foram retratados como figuras humanizadas com aparência de seres humanos comuns.

Giotto di Bondone foi um importante pintor e arquiteto italiano do período do Renascimento Cultural. Nasceu em 1266 na cidade de Colle Vespignano (região da Toscana) e faleceu na mesma cidade em 1337.

Minas eternidade Gerais Barroco brasileiro Ouro Preto O mundo encantado emoção Tesouro de todas as nações Guardados aqui em nossos corações.

Quem disse isso ?

Mestre Barroco - Aleijadinho

É considerado um dos maiores artistas barrocos do Brasil e suas esculturas e obras de arquitetura encantaram a sociedade brasileira do século XVIII.

Aleijadinho (Antônio Francisco Lisboa) nasceu em Vila Rica no ano de 1730 (não há registros oficiais sobre esta data). Era filho de uma escrava com um mestre-de-obras português. Iniciou sua vida artística ainda na infância, observando o trabalho de seu pai que também era entalhador.

Por volta de 40 anos de idade, começa a desenvolver uma doença degenerativa nas articulações. Não se sabe exatamente qual foi a doença, mas provavelmente pode ter sido hanseníase ou alguma doença reumática. Aos poucos, foi perdendo os movimentos dos pés e mãos. Pedia a um ajudante para amarrar as ferramentas em seus punhos para poder esculpir e entalhar. Demonstra um esforço fora do comum para continuar com sua arte. Mesmo com todas as limitações, continua trabalhando na construção de igrejas e altares nas cidades de Minas Gerais.

"Pensaram que eu era surrealista, mas nunca fui. Nunca pintei sonhos, só pintei a minha própria realidade."

Frida Kahlo

Frida Kahlo foi uma importante pintora mexicana do século XX. É considerada, por alguns especialistas em artes plásticas, uma artista que fez parte do Surrealismo. Porém, a própria Frida negava que era surrealista, pois dizia que não pintava sonhos, mas sua própria realidade. Destacou-se ao defender o resgate à cultura dos astecas como forma de oposição ao sistema imperialista cultural europeu.Frida Kahlo nasceu na cidade de Coyacán (México) em 6 de julho de 1907. Estudou, no início da juventude, na Escola Preparatória Nacional.

Com 18 anos de idade sofreu um grave acidente de ônibus. Para ocupar as horas vagas, durante a recuperação, passou a pintar.

Em agosto de 1929, casou-se com o pintor mexicano Diego Rivera com quem teve um casamento tumultuado e instável.

Morou nos Estados Unidos com Diego Rivera entre os anos de 1931 e 1934.

Divorciou-se de Rivera em 1939, embora tenha mantido relações com ele nos anos seguintes.

Em 1939, Frida expôs sua obra em Paris, na galeria Renon et Collea.

Deu aulas de introdução à pintura, a partir de 1943, na Escola La Esmeralda na Cidade do México.

Sofreu três abortos durante a vida.

Teve uma vida marcada, principalmente após o divórcio, pelo consumo abusivo de álcool. Dizia que era para aliviar o sofrimento que sempre marcou sua vida.

Após uma grave pneumonia, morreu em embolia pulmonar em 13 de julho de 1954.

“A fantasia, isolada da razão produz monstros
simplesmente impossíveis. Anexado a ela, no entanto, é a mãe da arte e fonte de seus desejos.”
―Francisco Goya

Francisco José de Goya y Lucientes, mais conhecido apenas por Francisco Goya, foi um importante pintor espanhol da fase do Romantismo. Nasceu na cidade espanhola de Fuendetodos no dia 30 de março de 1746.

Começou a carreira nas artes plásticas, aos 13 anos, como aprendiz do pintor Don José Luzan y Martinez. Nesta fase fazia cópias de pinturas famosas.
Aos 18 anos foi morar em Madri e tentou duas vezes entrar na Academia de Belas Artes. Porém, foi rejeitado nas duas tentativas.
Em 1771, destacou-se num concurso da Academia de Belas Artes de Parma (Itália). Em 1792, adquiriu uma doença desconhecida e ficou, por algum tempo, paralítico. A doença também atingiu sua visão a audição.
Em 1793, recuperou-se da doença e voltou a pintar como artista da Corte Espanhola.
Entre 1810 e 1814, realizou duas de suas obras mais famosas: Los Desastres de La Guerra e El segundo de Mayo de 1808.
Em 1821, foi processado pela Inquisição, que considerou obcenas a obrs Majas.

Faleceu em Bordéus (França) em 15 de abril de 1828.

“O carnaval é uma coisa estranhíssima; eu me vi dentro dele, como todo mundo, enquanto vítima e ator.”
―Édouard Manet

Édouard Manet foi um importante pintor francês do século XIX. Nasceu em 23 de janeiro de 1823 na cidade de Paris e faleceu na mesma cidade em 30 de abril de 1883. É considerado por estudiosos de artes plásticas como um dos mais importantes representantes do impressionismo francês, embora muitas de suas obras possuam fortes características do realismo.No final da década de 1840 viajou para Itália, Alemanha, Holanda e Áustria para conhecer museus e obras de arte de diversos artistas e períodos históricos.

Em 1869 participou do Salão de Paris com duas obras: O balcão e Almoço no Ateliê.Com a guerra franco-prussiana, Manet alistou-se na Guarda Nacional, indo morar na fronteira da Espanha com sua família.Em 1881, ganhou o direito de participar permanentemente de todos Salões Oficiais de Paris.

Portador de sífilis, Manet teve uma perna amputada em 1883 e faleceu neste mesmo ano.

Inspirou-se na arte da fotografia para pensar sua teoria do pontilhismo....

«Domingo na Ilha da Grande Jatte» de Georges Seurat

No fim do século XIX, momento em que a importância do conhecimento científico estava mais que consolidada, alguns pintores passaram a se utilizar das teorias cientificistas para produzir. Georges Seurat foi um desses artistas, que trabalhavam como verdadeiros cientistas, no seu caso, aprofundando-se no estudo da óptica, no estudo das cores.

Seurat trabalhava com uma técnica chamada Pontilhismo ou Divisionismo, em que as pinceladas eram curtas e sistematicamente distribuídas pela superfície da tela e as cores eram colocadas, sem serem misturadas, em pequenas porções posicionadas lado a lado, pois, por meio de seus estudos e de estudos da época, descobriu que o nosso cérebro seria o responsável por misturar as cores e gerar os tons intermediários, e demonstrando a importância dessa conclusão estão os aparatos tecnológicos que temos hoje; como a tela do computador, ou da televisão, em que o princípio de funcionamento é o mesmo; cores colocadas uma ao lado da outra, sendo do nosso cérebro a obrigação de misturá-las.

Seurat restaurou a importância da forma e trabalhou a cor à luz da ciência, iniciou o neo-impressionismo.

A técnica do pontilhismo,baseada em pinceladas mínimas de cores puras é uma característica própria de Seurat.

“Desenhar é como fazer um gesto expressivo mas com a vantagem da permanência.”
―Henri Matisse

Dance - 1910 - Matisse

Henri-Émile-Benoît Matisse foi um artista francês, conhecido por seu uso da cor e sua arte de desenhar fluida e original. Foi um desenhista, gravurista e escultor, mas é principalmente conhecido como um pintor. Matisse é considerado, juntamente com Picasso e Marcel Duchamp, como um dos três artistas seminais do século XX, responsável por uma evolução significativa na pintura e na escultura.

A arte é a única forma de atividade por meio da qual o homem se manifesta como verdadeiro indivíduo.

Marcel Duchamp

Fonte - obra ready-made de Duchamp de 1917

Marcel Duchamp foi um importante pintor e escultor francês. Nasceu em 28 de julho de 1887 na cidade francesa de Blainville-Crevon e faleceu em 2 de outubro de 1968, na cidade de Nova Iorque. É um dos grandes representantes do movimento artístico conhecido como dadaísmo.

Duchamp, aos 14 anos de idade, pintou suas primeiras obras com grande influência impressionista.

Aos 16 anos de idade deixou a casa da família e foi morar em Paris com seu irmão. Nesta época, tentou entrou na Escola de Belas Artes, porém foi reprovado no exame. Foi então estudar artes na Academia Julian.

Entre 1906 e 1907 fez vários trabalhos de conotação humorística. Em 1907, cinco de seus trabalhos foram selecionados para o Primeiro Salão de Artistas Humoristas.

No começo da década de 1920, participou de vários torneios de xadrez, outra área que demonstrava grande interesse, além das artes plásticas.

Em arte, procurar não significa nada. O que importa é encontrar.

Pablo Picasso

O artista espanhol Pablo Picasso destacou-se em diversas áreas das artes plásticas: pintura, escultura, artes gráficas e cerâmica. Picasso é considerado um dos mais importantes artistas plásticos do século XX.

Nasceu na cidade espanhola de Málaga. Fez seus estudos na cidade de Barcelona, porém trabalhou principalmente na França. Seu talento para o desenho e artes plásticas foi observado desde sua infância.

Suas obras podem ser divididas em várias fases, de acordo com a valorização de certas cores. A fase Azul (1901-1904) foi o período onde predominou os tons de azul. Nesta fase, o artista dá uma atenção toda especial aos elementos marginalizados pela sociedade. Na Fase Rosa (1905-1907), predomina as cores rosa e vermelho, e suas obras ganham uma conotação lírica. Recebe influência do artista Cézanne e desenvolve o estilo artístico conhecido como cubismo. O marco inicial deste período é a obra Les Demoiselles d'Avignon (1907) , cuja característica principal é a decomposição da realidade humana.

Em 1937, no auge da Guerra Civil Espanhola ( 1936-1939), pinta seu mural mais conhecido: Guernica. Esta obra já pertence ao expressionismo e mostra a violência e o massacre sofridos pela população da cidade de Guernica.

Na década de 1940, volta ao passado e pinta diversos quadros retomando as temáticas do início de sua carreira. Neste período, passa a dedicar-se a outras áreas das artes plásticas: escultura, gravação e cerâmica. Já na década de 1960, começa a pintar obras de artes de outros artistas famosos: O Almoço Sobre a Relva de Manet e As Meninas do artista plástico Velázquez, são exemplos deste período.

Já com 87 anos, Picasso realiza diversas gravuras, retomando momentos da juventude. Nesta última fase de sua vida, aborda as seguintes temáticas: a alegria do circo, o teatro, as tradicionais touradas e muitas passagens marcadas pelo erotismo. Morreu em 1973 numa região perto de Cannes, na França.

A ARTE é um LUXO, não porque precise necessariamente de "Riquezas" para ser executada... ela é um LUXO porque precisa de MÃOS... descansadas!

Claude Monet

Impressão, nascer do sol (1872), de Claude Monet

Claude Monet foi um pintor francês. Foi considerado um dos mais importantes pintores da escola impressionista.

Nasceu em Paris, no dia 14 de novembro em 1840. Quando tinha cinco anos, sua família mudou-se para Sainte-Adresse, perto do Havre, e ali o futuro mestre começou a pintar. Com menos de 15 anos Monet já era conhecido em sua cidade por retratar personalidades importantes. Duas influências marcantes despertaram-lhe o interesse pela luz e pela cor: descobriu as gravuras do japonês Hokusai e a pintura de Eugène Boudin, que o iniciou na prática, então pouco comum, de realizar estudos da natureza ao ar livre.

De volta à França, Monet instalou-se em 1876, em Argenteuil, à margem do Sena, e realizou suas mais famosas séries, como "A Estação de Saint-Lazare" (1877), "Os Álamos" (1891) e "A Catedral de Rouen" (1892), em que as mesmas cenas foram representadas em horas diversas, em diferentes condições de luz. Em sua casa em Giverny, também perto do Sena, a partir de 1883 Monet cultivou nenúfares, motivo de seus últimos quadros, como a série "Ninféias", pintada quando o artista já sofria graves distúrbios de visão.Monet morreu em Giverny, em 5 de dezembro de 1926.

“A dor passa, a beleza fica.”

―Pierre-Auguste Renoir

Baile no Moulin de la Galette - Renoir

Pierre-Auguste Renoir costuma ser chamado de "o pintor da vida". Renoir nasceu na cidade de Limoges em 1841, filho de costureiros humildes. Aos quatro anos vai para Paris com a família, e lá passa uma infância feliz. Seu primeiro contato com as artes seria trabalhando como pintor de porcelanas em uma fábrica, atividade que o levou a decidir ser artista profissionalmente.

No caso de Renoir, que até gostava de pintar paisagens mas tinha clara preferência por retratar pessoas (fossem retratos de conhecidos ou de cidadãos anônimos), o mundo era composto por ruas reluzentes, muita luz e vida cotidiana. Estes eram os temas preferidos em sua obra.

O artista continuaria "integrando" o grupo dos impressionistas, mas nunca deixou de fazer os retratos que lhe davam sustento. Após viagens à Argélia (influenciado pela obra de Delacroix) e Itália, em 1881 (onde apreciou e se inspirou nos renascentistas, em especial Rafael), volta à França com novo fôlego e decide deixar um pouco de lado a maneira rápida, "inacabada" e impressionista de pintar para retratar personagens mais delineados e severos em quadros como "As Banhistas" (1884/87), com clara influência de mestres do Renascimento.

Entre seus filmes destacam-se "A Grande Ilusão" (1937) e "A Regra do Jogo" (1939). Tendo vivido seus últimos em Cagnes, na Riviera Francesa, Renoir morreu em 1919, quatro anos depois de sua amada Aline. Mesmo sem conseguir andar ou segurar com firmeza o pincel, o artista continuou pintando até o fim da vida.

Quem não é senhor do próprio pensamento não é senhor de suas ações.

Vincent van Gogh

“Girassóis” (1888) - Van Gogh

O artista maldito

Ele passou para a história como um dos exemplos mais notórios do artista maldito, do gênio desajustado, do homem incompreendido por seu tempo, mas que foi aclamado pela posteridade. Ao longo da vida, sofreu uma série interminável de infortúnios: desilusões amorosas, crises nervosas, misérias financeiras. Foi tratado como louco, ficou várias vezes exposto à fome, à solidão e ao frio. Ridicularizado pela maioria de seus contemporâneos, hoje é considerado um dos maiores mestres da pintura universal.

Vincent Willem van Gogh nasceu em 30 de março de 1853, em uma pequena aldeia de Groot-Zundert, na Holanda. O irmão mais velho, que também fora batizado como Vincent, nascera um ano antes, 1852, igualmente em 30 de março, mas morrera com apenas seis meses de idade. Assim, a criança recém-nascida vinha ao mundo com a responsabilidade de ocupar o lugar que o destino roubara ao primogênito.

Em 1880, enfim, trocou a fé pela arte. Mas a sua inquietação existencial continuou, ainda mais intensa. Apaixonou-se novamente, desta vez por uma prima, que também recusou-lhe o seu amor. Em 1882, conheceu a prostituta Christine Sien, grávida e alcoólatra, com quem passou a viver durante alguns meses, até que a convivência entre os dois se tornou insuportável. Nesse período, os quadros de van Gogh ainda possuíam cores e tons predominantemente escuros.

Em Arles, pintou cerca de 200 quadros e fez 100 desenhos.

Ficou esgotado e foi internado em um asilo, após uma série de colapsos nervosos. Em um deles, investiu contra o colega Paul Gauguin, armado com uma navalha. Terminou por decepar a própria orelha, que presenteou a uma prostituta.
Em meados de 1890, aos 37 anos, viajou para a cidade francesa de Auvers-sur-Oise, para tentar descansar e recuperar a saúde. O médico recomendou-lhe a pintura como terapia. No dia 27 de julho, saiu em direção a um trigal, igual a tantos outros que já pintara. Mas não levava telas e pincéis, e sim uma pistola. Voltou a arma contra o próprio peito e apertou o gatilho. Não resistiu ao ferimento. Morreu por volta de uma e meia da manhã do dia 29.
No início daquele ano, recebera uma boa notícia: finalmente um trabalho seu, o quadro "A videira vermelha", conseguira encontrar comprador.( em vida não vendeu se quer nenhum quadro foi reconhecido mundialmente após sua morte)

"Eu decidi que eu quero ser um pintor.

Edvard Munch

O Grito de Edvard Munch

"A doença, a loucura e a morte foram os anjos

negros que velaram sobre meu berço"

A história de Edvard Munch é uma sucessão de acontecimentos turbulentos, que ficariam registrados em sua obra, caracterizada por temas recorrentes como a doença, a angústia e o delírio. "Eu não posso me desfazer de minhas enfermidades, pois há muita coisa em minha arte que só existe por causa delas", reconhecia.

Munch nasceu na Noruega, em 1863. Com a morte da mãe, passou aos cuidados de uma tia, que se encarregou de sua educação e o iniciou no mundo das telas e pincéis. Tornou-se aluno da Escola de Artes e Ofícios da cidade de Kristiania, atual Oslo, e começou a pintar seguindo os moldes naturalistas, seguindo os passos de seu mestre à época, Christian Krogh, um dos principais nomes da arte realista norueguesa, de forte conotação social. "Queremos mais do que uma mera fotografia da natureza. Não queremos pintar quadros bonitos para serem pendurados nas paredes das salas de visitas.

Foi durante as primeiras viagens a Paris, em 1885 e 1889, que Munch entrou em contato com a obra dos pós-impressionistas e ficou particularmente fascinado pelo trabalho de Vincent van Gogh e Paul Gauguin. Estava preparado o terreno para a grande transformação pela qual viria a sofrer sua obra, que passou a refletir sobre as profundezas da alma humana. Munch, com suas pinceladas intensas e temáticas de forte teor psicológico, tornou-se uma das principais fontes do movimento expressionista alemão.

Nem assim Edvard Munch encontraria paz e sossego. Em 1937, às vésperas da Segunda Guerra Mundial, foi considerado pelos nazistas como um "artista degenerado". Três anos depois, com a Noruega já ocupada pelo exército alemão, foi convidado pelo governo para fazer parte de um Conselho Honorário de Arte.

Munch rejeitou a oferta e se recusou a colaborar para um regime manipulado por Hitler.

Em seus últimos anos de vida, pintou uma série de auto-retratos, em que mostrava os efeitos do tempo sobre si próprio. Morreu em janeiro de 1944, sem conseguir assistir ao final da guerra e a derrota dos nazistas.

"Se não conseguires agradar a toda a gente através da tua atividade e obras de arte – agrada a pouca gente. Agradar a muitos é mau."

Gustav Klimt

The-Kiss1907-Klimt

Em 1894, ao receber a incumbência de pintar três grandes painéis para o teto do auditório da Universidade de Viena, o artista Gustav Klimt provocou escândalo. Os professores e diretores da Universidade de Viena ficaram chocados. Acharam que aquilo era uma provocação, um emaranhado caótico e sem sentido de imagens, algumas delas supostamente beirando a pornografia.

A polêmica teve início em 1900, quando Gustav Klimt, já rompido com a conservadora Sociedade dos Artistas Vienenses, passara a dirigir uma entidade dissidente, a Secessão de Viena. Em uma exposição patrocinada pelo novo grupo, exibiu o primeiro dos três painéis, A Filosofia. Alvo de acirradas controvérsias, prosseguiu no trabalho durante mais alguns anos, 1905 retirou os painéis e devolveu seus honorários , após receber uma saraivada de críticas que extrapolou os muros da Universidade e reverberou na imprensa local.. O último painel, A Jurisprudência, foi concluído somente em 1907.

Seus trabalhos mais famosos pertencem à chamada "fase dourada", na qual mais uma vez retratou preferencialmente mulheres, de forma quase figurativista, mas em que as figuras humanas são adornadas por espirais, arabescos, pequenos objetos e formas geométricas. O aspecto naturalista das mãos e corpos contrasta com o fundo exuberante e fantasioso.

Barbudo, na maioria das vezes envolto em uma túnica escura sem colarinho, Gustave Klimt tornou-se uma figura exótica, célebre por seus muitos casos amorosos. Ao longo de muitos anos tentou, sem sucesso, ser admitido na Academia de Arte de Viena. Só em 1917, aos 55 anos, recebeu o devido reconhecimento, ao ser eleito membro honorário daquela entidade. Não houve tempo, contudo, para desfrutar de tal homenagem. No início do ano seguinte, em janeiro, sofreu um ataque de apoplexia e morreu quase um mês depois.

“Somente quando não se sabe o que está fazendo, um

pintor faz as boas obras.”

―Edgar Degas

O ensaio - Degas

Uma das mais marcantes características do francês é a suavidade de suas obras. Ele costumava usar bastante os tons pastel na primeira fase de sua vida artística, passando a utilizar tons mais vibrantes somente na década de 1860. O movimento de suas pinturas também é algo para se prestar atenção: ele usava bailarinas como pretexto para reproduzir o movimento fluido, gostava de representar cenas do cotidiano e de utilizar enquadramentos casuais, concentrando o assunto em alguma parte do quadro, em vez de os dispor equilibradamente.

Edgar Hilaire Germain Degas foi um gravurista, pintor e escultor francês. Embora seja muito conhecido pelas suas pinturas, majoritariamente de carisma impressionista, é igualmente relembrado como gravurista. Muitos dos seus trabalhos se conservam hoje no Museu de Orsay, na cidade de Paris, onde o artista nasceu e faleceu.

A pintura é a neta da natureza. Ela está relacionada com Deus.

Rembrandt

A ronda noturna - Rembrandt

Vigor criativo

Ele nasceu em família humilde, ficou bastante rico antes dos 30 anos, foi proprietário de uma mansão e colecionava finos objetos de arte. Foi à falência e, ao morrer, vivia em extrema simplicidade, recluso em sua casa. Trabalhou incansavelmente até o fim da vida, produzindo uma quantidade admirável de telas, gravuras e desenhos. Este era Rembrandt Harmenszoon van Rijn, possivelmente o maior pintor que a Holanda já teve, e que só seria reconhecido como tal a partir do século 19.

Entre 1632 e 1633 produziu cerca de 50 retratos, um número impressionante. Rembrandt era requisitado pelos burgueses enriquecidos que desejavam se ver eternizados nas paredes de suas casas.

Tinha início uma nova - e desafortunada - fase: Rembrandt passava a ser menos procurado pela burguesia, ironicamente porque apurava sua técnica e se recusava a fazer os retratos que seus clientes esperavam. Ao invés de belos e enaltecedores, seus quadros se tornavam mais expressivos e reveladores.

O artista passou a contrair dívidas e começou a vender seus bens. Em 1650 tem início sua "fase experimental", quando passou a fazer testes com água-forte, técnicas de impressão, novas tonalidades e papéis diferentes. Sua última companheira, quase 20 anos mais jovem, seria Hendrickje Stoffels, que começou como empregada em sua casa. Com ela teve mais dois filhos sendo que somente a caçula, Cornelia, sobreviveu. Rembrandt morreu aos 63 anos, morando numa casa humilde e ainda pintando. Em seu cavalete deixou um último quadro, ainda por terminar.

“Eu não pinto a natureza, eu sou a natureza.”
―Jackson Pollock

Jackson Pollock Expressionismo abstrato arte dripping

O MESTRE DO ABSTRACIONISMO NA ARTE :

POLLOCK

Em 2012 completou 100 anos do nascimento de Jackson Pollock, um dos mais importantes pintores norte-americanos. Apesar de sua fama e reconhecimento, Pollock sempre foi alvo de críticas pelos que não conseguem lidar com uma arte extremamente provocativa - inclusive na atualidade. A obra de Pollock não fica apenas para a história da criação artística, mas também para a história da forma como encaramos as obras de arte deste último século.

E AI PREPARADO PARA CONTINUAR NESSA VIAGEM MARAVILHOSA DESSES MESTRES??!!;;;;;.ENTÃO VEM COMIGO.......

“A pintura tem vida própria. Procuro deixar que ela se manifeste.” ( Pollock )

Jackson Pollock (28 de janeiro de 1912 — 11 de agosto de 1956) iniciou seus estudos de artes em Los Angeles. Se em seus primeiros trabalhos o figurativo é o foco de sua produção, o inicio da ruptura se deu nos anos 1940, quando Pollock começa a tentar novas técnicas de pintura. A experimentação já estava presente em seu espirito, como percebemos em seus trabalhos ainda figurativos: o traço livre quase caótico, a dispersão da lógica e a busca de uma essência. Logo a tela convencional não era mais suficiente para Pollock, que, além de derramar tinta sobre suas obras aleatoriamente.

O dripping era a técnica na qual respingava a tinta sobre suas imensas telas; os pingos escorriam formando traços harmoniosos e pareciam entrelaçar-se na superfície do suporte. Essa ação foi possibilitada em muito pelas tintas sintéticas à base de resina, uma novidade no período. Ao desenvolver essa técnica, Pollock passou a utilizá-la quase que exclusivamente - de 1947 a 1950.

Fazendo uso de ferramentas não convencionais, como varas, escovas duras e até seringas, regando para criar.

Com a tela no chão, Pollock não só se colocava, mas sentia-se dentro do quadro, caminhando sobre ele e pintando em redor – em várias obras encontram-se resíduos de sangue de seus pés, cortados acidentalmente. A sua inserção em sua produção é tamanha que levou Hans Namuth – fotográfo alemão - a filmá-lo e fotografa-lo durante o processo. Apesar do trabalho de Namuth ser uma obra à parte, esses registros nos possibilitam penetrar e compreender o processo criativo de Pollock, como ele afirma em um dos trechos do filme:

“Não trabalho a partir de desenhos ou esboços em cores. Minha pintura é direta. (...) O método de pintar é o resultado natural de uma necessidade. Quero expressar meus sentimentos, e não ilustrá-los. A técnica é apenas um meio de chegar a uma declaração. Quando estou pintando, tenho uma ideia geral do que estou fazendo. Posso controlar o fluxo da pintura: não há acidentes, assim como não há começo nem fim.”

A partir de 1950, a produção artística de Pollock entrou em declínio. O pintor perdeu a inspiração, entrou em estado depressivo e refugiou-se de novo no álcool. O seu casamento desfez-se e a sua pintura deixou de fazer furor. Morreu em 1956, aos 44 anos de idade, quando o carro que conduzia - em estado de embriaguez - se despistou e bateu contra uma árvore, a um quilometro da sua casa de East Hampton. A morte violenta do pintor transformou a história da sua vida numa fábula trágica.

Hoje em dia, Pollock continua a ser louvado pela crítica e pelo público em geral, que o reconhecem como um dos maiores pintores modernos. A sua maneira de pintar tornou-se uma marca inconfundível da sua obra.

EXISTEM NO MERCADO CINEMATOGRÁFICO ALGUNS FILMES QUE SERVEM COMO RECURSOS PARA AULAS DE HISTÓRIA DA ARTE.CITO ALGUNS :

E VAMOS CONTINUAR......................................

A Arte evoca o mistério, sem a qual o mundo não
existiria.

―René Magritte

Golconda, 1953 – René Magritte

Magritte foi um pintor surrealista belga. É considerado um dos principais artistas plásticos do Surrealismo. É conhecido pelas obras provocadoras, espirituosas e que desafiam as percepções dos observadores, pois não estão condicionadas à realidade.

Magritte nasceu na cidade de Lessines (Bélgica) em 21 de novembro de 1898 e morreu aos 68 anos na cidade de Bruxelas (Bélgica) em 15 de agosto de 1967.

Retratava objetos em contextos inesperados;Pintura de imagens bem-humoradas e divertidas;Arranjos bizarros; Utilizava jogos de duplicações;Manipulações com imagens do cotidiano.

Mais importante do que a obra de arte propriamente dita é o que ela vai gerar. A arte pode morrer; um quadro desaparecer. O que conta é a semente.

Joan Miró

Pinturas diferentes utilizando o estilo de Joan Miró.

O céu contra a guerra

Ele nasceu em Barcelona e, na escola, era apelidado de "cabeçudo", por ser considerado o garoto mais abobalhado entre os colegas. Passava o tempo desenhando ou colecionando pedras e plantas.

Foi durante o período de convalescença, numa fazenda da família em Montroig, nas montanhas da Catalunha, que Miró decidiu levar adiante, apesar das resistências paternas, o projeto de ser artista. Ao retornar a Barcelona, passou a frequentar o ateliê e escola de arte de Francisco Gali, a partir dos quais passou a travar contato com o mundo artístico e boêmio da cidade. Apesar disso, seu comportamento arredio e introvertido nunca lhe permitiu acompanhar os colegas nas costumeiras incursões madrugada adentro.

Contrariado, Miró trocou novamente a Espanha pela França, mas participou ativamente da luta pela liberdade de seu país.

Quando estourou a Segunda Guerra Mundial, Miró viu-se forçado a deixar novamente a França, em 1940, diante da iminência da ocupação nazista em Paris. Depois de uma temporada em Maiorca, retornou a Barcelona, em 1942. Nesse momento, o artista confessou por mais de uma vez que estava desiludido com os rumos da vida na Europa e temeu a vitória de Hitler. São desse período algumas de suas obras mais líricas e famosas, as que compõem a série "Constelações", na qual parece conjurar céus inteiros para se sobrepor à fúria cega desencadeada pela guerra.
Miró e sua arte sobreviveram ao conflito e ganharam reconhecimento internacional definitivo nas décadas seguintes. Morreu aos 90 anos, rico e bem-sucedido, celebrado em todo mundo como um dos maiores artistas do século 20.

Há duas coisas que a experiência deve ensinar: a primeira é que se torna indispensável corrigir muito; a segunda é que se não deve corrigir de mais.

Eugene Delacroix

The Fanatics of Tangier, 1837-1838

Ferdinand Victor Eugène Delacroix

foi um importante pintor francês

do Romantismo. Delacroix

é considerado o mais importante

representante do

romantismo francês

Artista famoso pela intensidade de suas cores e por experimentos que o levaram a revolucionar a maneira de trabalhar os tons, Eugène Delacroix é o mais conhecido representante do estilo romântico na pintura. As cenas de paixão, violência e sensualidade, aliadas ao colorido das vestes e paisagens, fizeram a fama.

Delacroix ingressa na Escola de Belas Artes de Paris, e é ali que conhece Theódore Géricault, um jovem pintor que lhe seria de grande influência por sua dramaticidade e maneira inovadora de usar as cores. Diferentemente dos artistas mais clássicos e acadêmicos, Géricault inspira Delacroix a inovar tanto na composição quanto na escolha de temas mais políticos e atuais para suas telas.

Artista culto e bem relacionado, Delacroix era também um homem elegante e espirituoso, apesar de demonstrar, por vezes, um temperamento explosivo.

Tendo participado diversas vezes do Salão de Paris e premiado com a Grande Medalha de Honra e a comenda da Legião de Honra, foi eleito, ainda, membro da Academia de Belas Artes de Paris. Até um ministério Delacroix assumiu após a revolução de 1830. Tantas honrarias, porém, não impediram que o artista passasse seus últimos anos de vida recluso em seu estúdio em Paris, sem filhos ou muitos amigos. Suas crises de laringite, que lhe afligiram durante grande parte da vida, foram a causa de sua morte, aos 65 anos.

Sem esperança, sem medo.

Caravaggio

Narciso - obra de Caravaggio

Luzes e sombras, na vida e na obra ;

Michelangelo, seu primeiro nome, é igual ao de outro mestre. Michelangelo Merisi da Caravaggio nasceu em 1571, e o nome Caravaggio é referente à cidade em que viveu. Por muitos anos acreditou-se que o artista teria nascido nesta cidade, mas hoje muitos historiadores trabalham com a hipótese de sua cidade natal ser Milão.

Arte que reflete a vida de seu criador, os quadros de Caravaggio contêm traços dessa existência intensa e turbulenta, apresentando cenas religiosas com violência e crueldade, como em "A Decapitação de São João Batista". O forte contraste entre os fundos escuros (as "trevas") e os personagens banhados por uma luz que incide forte e dramática, típico da técnica do "claro-escuro", é a principal característica das obras do artista, marcadas também por um forte realismo na caracterização dos personagens, suas vestes e objetos que os cercam.

Caravaggio teve uma vida curta: não chegou aos 40 anos e viveu a maior parte desse tempo em Roma. Após um período inicial de miséria, quando chegou a fazer pinturas em série para vender nas ruas, passou a trabalhar para o Cardeal Del Monte, clérigo sofisticado e rico, patrono da escola de pintores de Roma, a "Academia de São Lucas". Com um aposento no "palazzo" do Cardeal e uma pensão regular, Caravaggio passou a pintar vários quadros de rapazes com traços femininos, já que Del Monte, secretamente, apreciava jovens desse tipo.

Morreu aos 39 anos, a poucos quilômetros de Roma, mas sem ter retornado à cidade, já que não havia conseguido o perdão papal para voltar. O artista Giovanni Baglione, que anos antes o havia processado por ofensa, narrou seus últimos momentos: "Foi colocado numa cama, com febre muito forte, e ali, sem ajuda de Deus ou de amigos, morreu depois de alguns dias, tão miseravelmente quanto viveu".

Como faço uma escultura? Simplesmente retiro do bloco de mármore tudo que não é necessário.

Michelangelo

A Criação de Adão é uma das obras mais famosas de Michelangelo

"A escultura é a arte de representar a matéria"

Nascido em 1475 na pequena cidade de Caprese, próxima a Arezzo, Michelangelo di Ludovico Buonarroti Simoni era filho de um magistrado que também possuía uma mina de mármore e uma pequena fazenda. Criado por uma ama de leite cujo marido era cortador de mármore, um Michelangelo ainda pequeno já convivia com o material que lhe seria tão caro durante toda a vida.

Após breves períodos em Veneza e Bolonha, Michelangelo fixou-se em Roma, onde foi convidado a trabalhar para o papa Júlio II, dando início a um relacionamento conturbado que inauguraria o "período heroico" do artista. O grandioso túmulo encomendado a ele por Júlio II, com quarenta grandes estátuas à sua volta, nunca seria concluído, devido principalmente às brigas entre os dois. Júlio II era vaidoso e impaciente, mas não negava sua imensa admiração por Michelangelo.

Foi servindo a esse papa, também, que Michelangelo realizou sua mais extraordinária obra: as pinturas no teto e paredes da Capela Sistina. Ainda que os afrescos não fossem sua especialidade, o "Divino" não desapontou e criou uma espetacular sucessão de cenas e personagens bíblicos, onde os corpos dos personagens se contorciam a fim de caberem na curva das paredes laterais. O trabalho levou quatro anos para ficar pronto.

Michelangelo escreveu ainda livros de poesia e foi também um grande arquiteto, tendo projetado, entre outras obras, a impressionante cúpula da Basílica de São Pedro. Admirado por seus conterrâneos e considerado o maior artista de seu tempo, continuou trabalhando até sua morte, aos 89 anos, em Roma. Seu último pedido, já no leito de morte, foi ser enterrado em sua amada Florença.

Eu prefiro ser o primeiro pintor de coisas comuns.
Velázquez

Las Meninas - Veázquez

A maior marca deixada pelo artista espanhol Velázquez foi seu dom em propiciar dignidade e decência a todos os personagens que retratava, fossem eles reis, mulheres, crianças ou mesmo anões e bufões.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez era filho de nobres e nasceu em junho de 1599 em Sevilha, na época a cidade mais rica da Espanha devido ao seu movimentado porto.

Precoce ao demonstrar talento para as artes, Velázquez mudou-se para Madri ainda muito jovem e, aos 24 anos, já assumia o cargo de pintor oficial da corte do rei Filipe IV.Ocuparia a função até o fim da vida, o que lhe daria condições de viajar e trabalhar com tranquilidade.
Em 1628 tornou-se amigo do pintor holandês Rubens, que visitava Madri. Juntos, trocaram idéias sobre trabalhos do Renascimento italiano e conversaram sobre mitologia, o que aumentou o desejo de Velázquez de conhecer a Itália, terra de pintores que exerceram grande influência sobre ele, como Caravaggio, Ticiano, Tintoretto e Veronese.

Homem de vida tranquila e comedida, Velázquez pintava com calma e lentidão, já que, por ser membro da corte real, era obrigado também a cumprir funções burocráticas. De temperamento suave, levou uma vida sem grandes reviravoltas e de produção artística relativamente pequena: menos de 150 telas suas chegaram aos nossos dias. Calcula-se, porém, que tenha pintado não mais que 200 quadros ao longo da vida, dado seu ritmo compassado. Morreu em julho de 1660, em Madri, aos 61 anos de idade. Exatamente uma semana depois morria Juana, a filha de seu mestre Pacheco, com quem se casara aos 19 anos.

Não se trata de pintar a vida, trata-se de fazer viva a pintura.

Paul Cézanne

Paul Cezanne Les grandes baigneuses

Paul Cézanne nasceu em Aix-en-Provence, França, em 1839, filho de um próspero fabricante de chapéus de feltro que se tornou banqueiro em 1847. Estudou em boas escolas e foi colega do futuro escritor Émile Zola, de quem se tornaria amigo íntimo. Por imposição paterna, iniciou o curso de Direito em Aix, mas seu desejo era mesmo estudar pintura na capital francesa.

Este rigor geométrico, mais tarde, influenciaria novos artistas e seria responsável, em grande medida, pelo surgimento do cubismo. Mas, até aquele momento, Cézanne havia encontrado apenas a incompreensão da crítica e do público de sua época. Naquele mesmo ano de 1886, o pai de Paul Cézanne morreu e lhe deixou uma grande fortuna. O artista fixou-se então em Aix-en-Provence e casou-se oficialmente com Hortense Fiquet, uma mulher com a qual mantinha um relacionamento de muitos anos e com quem inclusive tinha um filho, Paul. Por volta de 1890, a obra de Cézanne finalmente começou a ser compreendida e valorizada. Seus quadros passaram a ser disputados pelas galerias e a fazer parte de grandes exposições internacionais.Em outubro de 1906, foi surpreendido por uma tempestade em Aix, enquanto pintava no campo. Afetado por uma congestão pulmonar, morreu uma semana depois.

A cor é uma energia que influencia diretamente a alma.

Wassily Kandinsky

Black and Violet - 1923

Nascido em Moscou, no ano de 1866, Kandinsky não abraçou o abstracionismo da noite para o dia. Foi necessário todo um processo de evolução pictórica, até alcançar gradativamente a completa abolição da figura em sua obra.

Ainda sob o efeito da exposição impressionista, decidiu recusar o cargo de assistente na faculdade de direito em uma universidade russa e, em 1896, aos 30 anos, mudou-se para Munique, na Alemanha, com o firme propósito de dedicar-se ao estudo da arte. Antes de partir, casou com uma prima, Anya Ticheyeva, que levou junto com ele.

Aproximou-se então de artistas mais jovens, como Paul Klee, e passou a desenvolver sua própria teoria estética, pregando a libertação da arte da reprodução subserviente da natureza.Mas a pintura de Wassily Kandinsky era abertamente incompatível com o "realismo socialista", estilo imposto aos artistas russos após a Revolução. Classificado pelos ideólogos soviéticos como um representante da "arte burguesa e decadente", Kandinsky viu-se obrigado a deixar novamente o seu país natal, retornando em 1921 à Alemanha, onde assumiu o cargo de professor da Bauhaus, famosa e inovadora escola de arquitetura e artes aplicadas.

Em 1933, com a chegada de Hitler ao poder, a alemã Bauhaus foi fechada. Kandinsky, que já fora criticado e defenestrado pelos soviéticos, passou a ser rotulado pelos nazistas como um "cancro da bolchevização da arte". Não lhe restava outra alternativa a não ser providenciar uma nova e imediata transferência, agora para Paris.

Sete anos mais tarde, quando os nazistas invadiram a França, Wassily Kandinsky estava velho demais para empreender mais outra mudança. Septuagenário, cuidou de diminuir o ritmo de sua produção e passou a viver de forma discreta e reservada.

Kandinsky morreu em 1944, aos 78 anos. Passado o obscurantismo nazista, seu nome foi aclamado, na Alemanha e em toda a Europa, como o mestre que inaugurou o abstracionismo, uma das maiores revoluções de todos os tempos na história da arte.

"A Arte não representa o visível, a Arte torna visível."

Paul Klee

"Senecio" (1922)é uma das obras mais famosas do pintor suíço Paul Klee

Paul Klee foi um pintor suíço de nacionalidade alemã. É considerado um dos grandes pintores europeus do início do século XX, pois suas obras de arte estão situadas em três importantes movimentos artísticos (surrealismo, cubismo e expressionismo).Nasceu na cidade suíça de Münchenbuchsee em 18 de dezembro de 1879.

Paul Klee faleceu na cidade de Muralto (Suíça) em 20 de junho de 1940.

Começou sua carreira artística estudando artes plásticas na cidade alemã de Munique.

Em 1924, junto com os outros pintores do grupo Quatro Azuis (Kandinsky, Jawlensky e Feininger), participou de uma importante exposição artística nos Estados Unidos.

Foi perseguido na Alemanha, na década de 1930, pelos nazistas. Teve que fuigr do país para não ser preso. Esta perseguição ocorreu devido ao envolvimento de Paul Klee com movimentos artísticos radicais, que eram renegados pelos nazistas.

Diagnosticado com uma doença degenerativa em 1936, foi internado em uma clínica médica, na cidade suíça de Muralto, onde faleceu quatro anos depois.

"Sou um monstro de inteligência"

Salvador Dalí

A Persistência da Memória - Salvador Dali

Salvador Dalí é um dos artistas mais conhecidos do século XX. Nasceu, em 1904, na cidade catalã de Figueres e aí morreu, em 1989. Foi um autêntico show man, e seu rosto moreno, com os olhos espantados e os longos bigodes levantados nas pontas, tornou-se uma espécie de ícone da irreverente arte de vanguarda do século XX.
A partir de 1927 aproximou-se cada vez mais do Surrealismo, tendo desenvolvido um método a que chamou "crítico-paranóico", que envolvia várias formas subjetivas de associações de ideias e imagens.
Dedicou-se a várias atividades profissionais, mas destacou-se, sem dúvida, como pintor, tendo deixado algumas obras que já se incorporaram ao imaginário da cultura ocidental, como, por exemplo, a pequena tela intitulada A persistência da memória.Dalí viveria até 1989. Porém, os críticos mais rigorosos afirmavam que sua arte já morrera muito tempo antes dele, ainda ao final da primeira fase surrealista, na distante década de 1930. Depois disso, passara a viver apenas do escândalo e da polêmica em torno de seu comportamento pouco ortodoxo.

Alberto da Veiga Guignard, a eterna criança grande.

Floresta Tropical – 1938

Alberto da Veiga Guignard foi um verdadeiro mestres das artes. Ele foi pintor, ilustrador, desenhista e professor. Sua vida e obra o tornaram famoso como o pintor dos sonhos, da poesia e da fantasia. O pintor das “paisagens imaginastes".

O artista não se preocupava na mera representação da realidade, pintando a emoção que sentia diante da beleza da paisagem. Muitas vezes, a paisagem surgia de sua imaginação. As cores suaves e nuvens trazem-nos a sensação de infinito. Pintou a paz, a suavidade, a cultura e os espaços das paisagens brasileiras.

Alberto da Veiga Guignard nasceu em 25 de fevereiro de 1896 em Nova Friburgo-RJ (portanto fluminense) e veio a falecer em 26 de junho de 1962 em Belo Horizonte, sendo sepultado em Ouro Preto, a cidade que muito amou. Homem solitário mas não amigo da solidão, alcoólatra não assumido, nascido em berço de ouro mas administrando uma vida de penúria, Guignard carregou consigo dois traumas que lhe modelaram a existência: o primeiro, adquirido aos dez anos, com a morte do pai; o segundo, que o atingiu aos 30 anos, quando foi abandonado pela esposa, após a morte do único filho do casal, de apenas um ano.

Milagre e amor foram os sustentáculos deste artista, que não enriqueceu fazendo arte e sequer ganhou o suficiente para satisfazer suas necessidades básicas de sobrevivência. Passou a vida morando em simples quartos de pensão. Ao final, seu estado de penúria era tamanho, que uma Fundação foi criada para dar-lhe o amparo de que necessitava e para garantir a preservação de sua obra, que poderia desaparecer no anonimato, por falta de catalogação.

Guignard participou dos Salões de 1924, 1929, 1939 e 1942, no Rio de Janeiro; realizou algumas exposições individuais dentro e fora do país; marcou presença na 1ª Bienal de São Paulo. Houve, ainda, várias exposições após sua morte, a maioria delas em Belo Horizonte.

“Minha força vem da lembrança da infância na fazenda, de correr e subir em árvores. E das histórias fantásticas que as empregadas negras me contavam.”

TARSILA DO AMARAL

Abaporu

Tarsila do Amaral foi uma das mais importantes pintoras brasileiras do movimento modernista. Nasceu na cidade de Capivari (interior de São Paulo), em 1 de setembro de 1886.

Na adolescência, Tarsila estudou no Colégio Sion, localizado na cidade de São Paulo, porém, completou os estudos numa escola de Barcelona (Espanha).

Desde jovem, Tarsila demonstrou muito interesse pelas artes plásticas. Aos 16 anos, pintou seu primeiro quadro, intitulado Sagrado Coração de Jesus.

Em 1906, casou-se pela primeira vez com André Teixeira Pinto e com ele teve sua única filha, Dulce. Após se separar, começa a estudar escultura.

Somente aos 31 anos começou a aprender as técnicas de pintura com Pedro Alexandrino Borges (pintor, professor e decorador).

Em 1920, foi estudar na Academia Julian (escola particular de artes plásticas) na cidade de Paris. Em 1922, participou do Salão Oficial dos Artistas da França, utilizando em suas obras as técnicas do cubismo.

Retornou para o Brasil em 1922, formando o "Grupo dos Cinco", junto com Anita Malfatti, Mario de Andrade, Oswald de Andrade e Menotti Del Picchia. Este grupo foi o mais importante da Semana de Arte Moderna de 1922.

Em 1923, retornou para a Europa e teve contatos com vários artistas e escritores ligados ao movimento modernista europeu. Entre as décadas de 1920 e 1930, pintou suas obras de maior importância e que fizeram grande sucesso no mundo das artes. Entre as obras desta fase, podemos citar as mais conhecidas: Abaporu (1928) e Operários (1933).

No final da década de 1920, Tarsila criou os movimentos Pau-Brasil e Antropofágico. Entre as propostas desta fase, Tarsila defendia que os artistas brasileiros deveriam conhecer bem a arte europeia, porém deveriam criar uma estética brasileira, apenas inspirada nos movimentos europeus.

No ano de 1926, Tarsila casou-se com Oswald de Andrade, separando-se em 1930.

Tarsila do Amaral faleceu na cidade de São Paulo em 17 de janeiro de 1973. A grandiosidade e importância de seu conjunto artístico a tornou uma das grandes figuras artísticas brasileiras de todos os tempos.

A simplicidade é sempre mais perfeita!

Admir de Almeida Junior

Caipira picando fumo - 1893

José Ferraz de Almeida Júnior, pintor de formação acadêmica foi, possivelmente, o primeiro artista plástico brasileiro a introduzir o homem do povo, em seu cotidiano, às telas, particularmente na última década de sua vida. O tratamento da luz tropical, o abandono da monumental idade das obras e a inserção dos personagens no cotidiano brasileiro marcaram seu trabalho. Foi considerado um precursor dos modernistas.

Paulista de Itu, aos dezenove anos ingressou na Academia Imperial de Belas Artes, no Rio de Janeiro, onde teve aulas de desenho com Jules Le Chevrel e de pintura com Victor Meirelles. Contemplado com uma bolsa, foi estudar na França entre 1876 e 1882, na Escola Nacional Superior de Belas Artes, como aluno de Alexandre Cabanel.

Em seus últimos trabalhos, principalmente, revela influência dos realistas Courbet (que presidiu a comissão de belas-artes da Comuna de Paris) e Corot.

A Pinacoteca do Estado de São Paulo – que em 2000 realizou exposição em sua homenagem, quando vários artistas contemporâneos fizeram releituras de alguns de seus trabalhos – possui em seu acervo um conjunto de obras do artista.

Algumas das obras dos artistas modernistas brasileiros também podem ser vistas no Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, e no Museu de Arte de São Paulo, entre outros.

Eu não falo, eu pinto !

Alfredo Volpi

Alfredo Volpi nasceu em Lucca, Itália, a 14 de abril de 1896. Em 1897, a família Volpi emigra para São Paulo e se estabelece na região do Ipiranga, com um pequeno comércio. Destino comum aos filhos de imigrantes italianos, Volpi inicia-se em trabalhos artesanais e, em 1911, torna-se pintor decorador.

Um acontecimento fundamental para a evolução de Volpi foi a sua “estada” em Itanhaém, entre 1939 e 1941. Sua esposa teve problemas de saúde e mudou-se para o litoral, a fim de se tratar. O artista a acompanhou, retornando a São Paulo apenas nos finais de semana, em que procurava vender suas obras. A gravidade da doença de Judite Volpi envolveu o artista em questionamentos que o fizeram rever sua obra e suas concepções, liberando um potencial criativo latente, ao qual Volpi finalmente conseguiria dar vazão. A tensão própria de situações-limite possibilitou para Volpi uma liberdade gestual que imprimiria uma nova dinâmica à sua obra. A série de marinhas que Volpi pinta a partir dessa época evidenciam uma obra muito própria que se desenvolveria gradualmente até atingir um ápice abstrato em que as composições eram compreendidas em termos de cores, linhas e formas.

No fim dos anos de 1930, mantém contato com o pintor Emídio de Souza. Em 1940, ganha o concurso promovido pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional - IPHAN, com trabalhos realizados com base nos monumentos das cidades de São Miguel e Embu e encanta-se com a arte colonial, voltando-se para temas populares e religiosos. Realiza trabalhos para a Osirarte, empresa de azulejaria criada em 1940, por Rossi Osir. Sua primeira exposição individual ocorre em São Paulo, na Galeria Itá, em 1944. Em 1950, viaja para a Europa acompanhado de Rossi Osir e Mario Zanini, quando impressiona-se com obras pré-renascentistas. Passa a executar, a partir da década de 1950, composições que gradativamente caminham para a abstração. É convidado a participar, em 1956 e 1957, das Exposições Nacionais de Arte Concreta e mantém contato com artistas e poetas do grupo concreto. Recebe, em 1953, o prêmio de Melhor Pintor Nacional da Bienal Internacional de São Paulo, dividido com Di Cavalcanti; em 1958, o Prêmio Guggenheim; em 1962 e 1966, o de melhor pintor brasileiro pela crítica de arte do Rio de Janeiro, entre outros.

Nos anos 1960 e 1970 suas composições de bandeirinhas são intercaladas por mastros com grande variação de cores e ritmo. A técnica da têmpera lhe permite renunciar à impessoalidade do uso de tintas industriais e do trabalho automatizado e mecânico, do qual os artistas concretistas se aproximam. A prática artesanal torna-se para Volpi, uma resistência à automatização e, simultaneamente, afirmação de seu lirismo ao invés de reiteração ingênua do gesto. A trajetória original e isolada de Volpi vai dos anos 1910 até meados dos anos 1980.EM 28 de maio de 1988, em São Paulo dada do seu falecimento.Todas as suas transformações são gradativas e brotam de seu amadurecimento e diálogo com a pintura.

Moço continuarei até a morte porque, além dos bens que obtenho com a minha imaginação, nada mais ambiciono.

- Emiliano Di Cavalcanti

Retrato de Noêmia, 1936:

Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, mais conhecido como Di Cavalcanti foi um pintor modernista, desenhista, ilustrador, muralista e caricaturista brasileiro.

Di Cavalcanti ajudou a idealizar e organizou a Semana de Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo, verdadeiro ponto de inflexão no modo de ver o Brasil.

O Desenho esteve presente ao longo de toda a produção de Di Cavalcanti. Mesmo quando se tornou um artista consagrado o desenho continuou fazendo parte de sua atividade. Era sua forma de “escrever”, de forma rápida e econômica no que se refere ao traço artístico, o espírito daquele momento histórico e social.

Di Cavalcanti foi um dos idealizadores do mais importante evento modernista brasileiro, a Semana de Arte Moderna. Sua participação foi crucial na organização do mesmo e ali expôs 12 pinturas.

As vanguardas européias, Picasso em especial, exercem forte influência sobre a produção de Di Cavalcanti. Em 1923, período em que viveu na França e de onde escrevia para o jornal carioca Correio da Manhã, Di Cavalcanti fez exposições em Bruxelas, Londres, Amsterdã, Berlim e Lisboa, portanto, sua expressividade se estende para além das fronteiras brasileiras.

Em 1952 Di Cavalcanti faz uma doação de cerca de 500 desenhos seus para o Museu de Arte Moderna de São Paulo.Registrou na arte brasileira a complexa efervescência social e política do século 20.

Emiliano Augusto Cavalcanti Albuquerque e Melo nasceu em 6 de setembro de 1897 no Rio de Janeiro e morreu em 26 de outubro de 1976 também no Rio. Foram, portanto, 79 anos vividos de forma tão intensa quanto possível no contexto do século XX.

A Revolução modernista no Brasil

Flávio de Carvalho

Retrato da Pintora Tarsila - Flávio de Carvalho

Mais um grande e talentoso pintor brasileiro que fez um enorme sucesso internacional com suas lindas obras de arte, Flávio de Resende Carvalho assim como a maioria dos grandes nomes da arte moderna no Brasil, começou bem cedo a mostrar seu talento artístico, aos 12 anos após ter estudado em uma escola de arte em São Paulo foi para Paris aperfeiçoar suas técnicas na escola Lycée Janson de Sailly.Já com seus 15 anos de idade, Flávio viajou para Inglaterra, porém com o acontecimento da 1ª Guerra Mundial ele não pode sair do país por não possuir um passaporte, assim teve que morar lá durante um longo tempo, mas não ficou parado, fez aulas de pintura na escola King Edward the Seventh School of Fine Arts e se formou em Engenharia Civil no ano de 1922. Exercendo sua profissão de engenheiro trabalhou nos projetos de construção de importantes edificações como o Mercado Municipal, o Banco de Comercio e Indústria, o Palácio da Justiça e alguns outros.Após ter criado o Clube dos Artistas Modernos, Flávio ficou cada vez mais reconhecido na arte moderna do Brasil, onde ficou muito famoso por pintar lindíssimos quadros que já foram vistos em diversas partes do mundo.Flávio de Carvalho atuando como arquiteto, engenheiro, cenógrafo, teatrólogo, pintor, desenhista, escritor, filósofo, músico e outros rótulos. Nasceu em 10 de agosto de 1899 e morreu em 4 de junho de 1973.

Anita Malfatti

Não viva para que a sua presença seja notada, mas para que

a sua falta seja sentida

A Boba, 1915-1916

Anita Malfatti foi uma artista plástica (pintora e desenhista) brasileira, nascida no dia 02 de dezembro de 1889, na cidade de São Paulo. Filha de Samuel Malfatti, engenheiro italiano, e de Betty Krug, de nacionalidade norte-americana, a artista plástica é considerada a primeira representante do Modernismo no Brasil.

No ano de 1922, Anita Malfatti participou da Semana de Arte Moderna. A artista plástica fazia parte do Grupo dos Cinco que, além da pintora, contava com Mario de Andrade, Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade e Menotti Del Picchia. Entre 1923 e 1928, a artista plástica morou em Paris e retornou a São Paulo no ano de 1928, onde começou a lecionar desenho, na Universidade Mackenzie, até 1933. No ano de 1942, tornou-se presidente do Sindicato dos Artistas Plásticos de São Paulo. Autora de obras que se tornaram clássicos da pintura moderna, Anita Malfatti faleceu no dia 06 de novembro de 1964, na cidade de São Paulo.

Só o coração nos poderá tornar melhores e é essa a grande função da arte.

Cândido Portinari

Cafe 1935, Candido Portinari

Cândido Portinari veio de uma família pobre do interior de São Paulo e deixou para o Brasil mais de 5mil obras, sendo pinturas, desenhos e gravuras.Nasceu em 1903 em uma cidade do interior paulista chamada Brodowski na fazenda de café Santa Rosa. Seu primeiro desenho foi aos 10 anos de idade.Com apenas 15 anos, sem dinheiro e sozinho, ele vai para o Rio de Janeiro estudar artes plásticas. Em 1928 com 24 anos ele ganhou o premio, Viagem a Europa com sua obra “Retrato de Olegário Mariano”. Portinari retrata gente da terra, plantadores de café, os negros, os caipiras, os retirantes… sua obra é um retrato da história de da cultura do Brasil.Com sua arte, este talentoso brasileiro deseja mostrar ao mundo a beleza de seu pais, com toda sua beleza, tristeza, esplendor e todas suas dores. No final, mais uma vez Cândido Portinari estava certo. Sua obra se tornou conhecida em várias partes do mundo e fora considerado um grande pintor. Um dos mais importantes de todos os tempos.Com problemas de saúde, ele é proibido pelos médicos a pintar. Mesmo com essa proibição de usar tintas a óleo, Portinari pintou a obra “Guerra e Paz” que acabou vindo a ser fatal para sua vida! Este foi seu último grande trabalho. A doença se agravou muito a partir dessa obra. Cândido Portinari veio a falecer aos 58 anos de idade.Portinari morre em fevereiro de 1962 em decorrência da intoxicação de Chumbo e outras substancias químicas presentes nas tintas. Tintas que usou por toda uma vida dedicada a arte e de uma arte sempre dedicada à vida.

Fonte de Toda Pesquisa https://pt.wikipedia.org/wiki/Wikip%C3%A9dia:P%C3%A1gina_principal

A lista de nomes a serem lembrados é ampla, os quais continuaremos a abordar em uma PARTE II. Em suma, quanto mais referências você tem, mais fácil fica experimentar e desenvolver o seu processo de criação. Analisar e procurar entender melhor movimentos artísticos e técnicas utilizadas por famosos pintores irá abrir seus olhos para um mundo de possibilidades onde o aprendiz de todo esse estudo é nós mesmos( eu e você).

Nosso muito obrigado pelo seu estudo e vamos continuar pesquisando e estudando......agora no blog : MESTRES DAS ARTES (Parte II )

by MSc. Mello

Mestres das Artes ( alguns nomes que modificaram a Arte)